Faith Ringgold é uma artista, ativista e profeta. Mas isso está apenas arranhando a superfície.

Primeiros trabalhos # 7: Quatro mulheres em uma mesa (1962) por Faith Ringgold. (2021 Faith Ringgold, membro da ARS, ACA Galleries, NY)

Nenhum dos rostos em Four Women at a Table de Faith Ringgold expressa qualquer alegria. As mulheres estão agrupadas em um espaço apertado, as sombras caem profundamente em seus cabelos e rostos, e se as duas figuras de cada lado da mesa se olham, é com suspeita ou alguma insinuação mais sombria.

A pintura de 1962, uma das primeiras obras do aclamado artista, é encontrada no início de um poderoso levantamento de sua carreira em exibição no museu de Glenstone. Apresentado originalmente em 2019 nas Galerias Serpentine em Londres, o show viajou para a Suécia e é visto aqui em seu único espaço nos EUA. Trazer exposições externas não é a prática usual de Glenstone, diz a diretora do museu Emily Wei Rales. Mas, mesmo antes da morte de George Floyd no verão passado, e do efeito catalítico que teve no movimento Black Lives Matter, Glenstone fez planos para hospedar o show.

Vê-lo hoje, enquanto um julgamento examinando a morte de Floyd está em andamento em Minneapolis, é brutalmente difícil, mas também emocionante. Ringgold surge não apenas como um poderoso defensor da justiça racial e da igualdade das mulheres, mas também como um profeta. E ver um corte transversal da carreira do artista de 90 anos deixa a pessoa emocionada com algo mais também: a coesão e persistência de suas idéias, impulsos e gestos, que sugerem um sentido heróico de propósito, uma mente dedicada a reunir as coisas, ligá-las e torná-las legíveis para um público tão amplo quanto possível.

Considere quatro mulheres em uma mesa. Há uma narrativa aqui, aparentemente de ociosidade, alienação e desconfiança mútua, embora a imagem não a torne explícita. Mas também há uma tendência para geometrias de primeiro plano que carreguem peso emocional, os ângulos e arcos de olhar um para o outro ou para trás, e as hierarquias de altura e colocação dos rostos dentro de uma moldura confinada. As cabeças devem algo a Picasso e ainda mais às linhas abstratas e planos de Matisse, cujas sombras faciais verdes parecem ter inspirado Ringgold a criar tons azuis análogos nesses primeiros anos de sua carreira.

Ao longo da exposição, esta tendência para a geometria e abstração é recorrente, ligando o trabalho figurativo a incursões ocasionais na abstração pura. Ringgold, que foi criado no Harlem e apoiou o movimento Black Power na década de 1960, é lembrado na abreviatura do visitante casual do museu como um artista político e provocativo. A exibição de uma de suas obras mais estimulantes, American People Series # 20: Die no Museu de Arte Moderna de Nova York de 1967 homenageia e atenua esse legado de ativismo: a pintura do tamanho de uma parede é justaposta às revolucionárias Les Demoiselles de 1907 de Picasso d'Avignon, com a sugestão implícita de que ambos são disruptivos, espontâneos e selvagens em sua tenacidade de propósito expressivo.

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Mas isso minimiza outro fato sobre Ringgold, que se torna cada vez mais claro ao longo desta exposição: as formas altamente tramadas e estruturadas que estão por trás de cada pintura ou design. Ela é apaixonada por composição, tornando-a uma metáfora para a compreensão e, assim, conter as energias que sua arte retrata e desdobra. Uma de suas obras mais conhecidas, American People # 19: US Postage Stamp Comemorando o Advento do Black Power, usa o tropo da Pop Art de um objeto familiar e cotidiano, o selo postal, para criar uma grade de rostos, alguns deles negros , os outros principalmente brancos. As palavras Black Power estão inscritas na diagonal na grade, claramente legíveis. Mas a própria grade é estruturada pelas palavras White Power, com as letras distendidas e conectadas, e renderizadas em branco e, portanto, quase impossível de ler a menos que você esteja procurando por elas.

A fonte fantasmagórica em forma de grade faz uma declaração básica sobre a natureza oculta das estruturas de poder, uma onipresença e onipresença que as faz desaparecer dentro da ordem natural implícita das coisas. Mas também lembra uma brincadeira infantil, em que as palavras eram escritas com caracteres esticados verticalmente, de forma que a única maneira de lê-los era virar o papel de forma que ficasse quase horizontal em relação ao chão, o que fazia a fonte verticalmente distendida aparecer como impressão normal.

Este jogo oferece uma lição simples em uma habilidade artística básica, o encurtamento. Na mão de Ringgold, também sugere que devemos, pelo menos mentalmente, tirar suas pinturas da parede se quisermos ver as coisas de um novo ângulo. Essa exigência torna-se ainda mais explícita em suas famosas pinturas de colchas, nas quais as letras de algumas das telas acolchoadas rondam a obra geometricamente de forma que às vezes fica de cabeça para baixo, ou correndo para cima e para baixo no eixo vertical. Novamente, a melhor maneira de ver isso, de ler com facilidade, seria removendo-o da parede - se esse tipo de coisa fosse permitido em um museu de arte.

Ringgold começou a fazer suas pinturas de colcha depois de descobrir uma sala com pinturas em rolos tibetanos e nepaleses do século 15, ou tankas, no Rijksmuseum em Amsterdã. As pinturas que podiam ser enroladas eram mais fáceis de mover e guardar, o que ela achou conveniente na época. Como uma mulher artista, você tem que gerenciar seu próprio trabalho, disse ela em uma entrevista com Hans Ulrich Olbrist publicada no próximo catálogo da exposição.

Alguém poderia preencher uma dissertação de bom tamanho sobre a colcha de Ringgold sozinho - como eles tornaram a narrativa e a memória centrais em seu trabalho, permitindo-lhe contornar os porteiros usuais da narrativa, e como eles confundiram velhas ideias sobre a linha entre arte e artesanato, pintura e quilting, formas legítimas e marginalizadas de expressão. O que impressiona mais fortemente ao vê-los novamente, e tantos deles ao mesmo tempo, é sua intimidade. Uma virtude das coisas altamente portáteis é que você pode mantê-las perto de você, e é essa qualidade de proximidade que é mais comovente.

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Entre os destaques da exposição está a exibição pela primeira vez em uma galeria de uma coleção de nove obras abstratas de Ringgold feitas no início dos anos 1980, após a morte de sua mãe em 1981. Ela chama essas pinturas de série Dah, um nome inventado que lhes foi dado por sua primeira neta, que estava aprendendo a falar na época. Formalmente, eles se baseiam na representação quase abstrata de florestas e vegetação vista em alguns de seus trabalhos anteriores. O padrão também sugere o tipo de camuflagem que poderíamos usar se estivéssemos tentando permanecer imperceptíveis em uma floresta de arco-íris, prata e ouro e pores do sol perpétuos. Eles sugerem o paraíso, ou a alegria, talvez a exaltação da descoberta quando uma criança aponta algo significativo e diz, simplesmente, que, ali, sim ou dah!

O valor desta exposição é o acúmulo de detalhes e percepções. Isso não quer dizer que a arte de Ringgold é de alguma forma mais pessoal e íntima do que normalmente acreditamos, se ao menos pudéssemos ver além da política. Em vez disso, adiciona o pessoal e o íntimo à sensibilidade ativista e politicamente sintonizada. Ele conecta as voltas e reviravoltas em sua vida- uma visita para ver os mestres holandeses no Rijksmuseum leva à descoberta de pinturas de tanka -a sua paixão ao longo da vida pela justiça no mundo.

Mas também oferece algo que é fácil perder de vista, o depois utópico da luta política. Com o que se parece o mundo melhor que buscamos, quando o alcançamos?

A série Dah sugere que ele já está lá, escondido à vista de todos, como as perniciosas palavras White Power na pintura de selo que ela fez em 1967.

Faith Ringgold abre no Glenstone em 8 de abril. Informações adicionais em glenstone.org .

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