Ornette Coleman, cujas performances de free jazz foram elogiadas e condenadas na mesma medida, mas que veio a ser reconhecida como uma das forças mais originais e inovadoras da música moderna, recompensada no final de sua carreira com o Prêmio Pulitzer e um Grammy pela conquista da vida, morreu Quinta-feira em Nova York. Ele tinha 85 anos.
Sua morte foi anunciada por um publicitário, Ken Weinstein. A causa não foi divulgada.
O Sr. Coleman foi um saxofonista alto e compositor que emergiu da obscuridade em 1959 com o álbum The Shape of Jazz to Come, que teve um efeito revolucionário. Com a sua banda, que incluía várias futuras estrelas, ele abandonou a estrutura tradicional do ritmo e harmonia do jazz para criar uma estética pouco ortodoxa de liberdade musical.
Em 1960, Coleman lançou um álbum chamado Free Jazz, no qual dois grupos separados tocaram ao mesmo tempo. A frase passou a representar uma nova escola musical marcada por um senso de improvisação espontâneo, às vezes frenético, e Coleman era visto como seu principal praticante.
Ele finalmente descreveu seu trabalho como harmolódico - uma combinação de harmonia, movimento e motivos melódicos em uma música fluida e sem amarras que evolui a partir de uma ideia central.
Ornette Coleman se apresentando em 2006. (Martial Trezzini / EPA) Na maioria dos ambientes de jazz, disse ele ao jornal Independent de Londres em 1993, sempre houve uma pessoa que fica na frente e os outros o apóiam, como um cantor. Mas em harmolodics, todos vêm para a frente.
Entre 1958 e 1962, o Sr. Coleman lançou 10 álbuns que tiveram profunda influência em músicos de jazz como John Coltrane, Eric Dolphy, Archie Shepp e Albert Ayler, bem como em artistas posteriores, incluindo bandas punk e compositores clássicos. Várias de suas primeiras composições, incluindo Paz , Mulher solitária e Inversão de marcha , tornaram-se padrões do jazz.
Desde o início, no entanto, não houve pontos de vista neutros do Sr. Coleman e sua música: ele foi considerado um gênio profético ou um charlatão.
Nenhum músico jamais perturbou o estabelecimento do jazz tanto quanto Coleman, escreveu o crítico Gary Giddins no New Yorker em 2008. Mesmo agora. . .ouvir Coleman pode ser uma experiência estimulante para os não iniciados.
Muitas pessoas, incluindo seus colegas músicos, não conseguiam entender os sons desafiadores, muitas vezes dissonantes, vindos do saxofone de Coleman e de seus companheiros de banda. Após uma apresentação, o baterista Max Roach supostamente deu um soco na boca dele. O trompetista Miles Davis questionou abertamente a sanidade do Sr. Coleman. Outra estrela do jazz, o trompetista Roy Eldridge, disse à revista Esquire em 1961, acho que ele está brincando, baby.
Mas Coleman também tinha muitos admiradores, incluindo o maestro e compositor Leonard Bernstein, bem como o escritor e compositor clássico Virgil Thomson. O pianista John Lewis, fundador do Modern Jazz Quartet, considerou Coleman o músico de jazz mais importante desde Charlie Parker.
Com o tempo, o Sr. Coleman foi além do jazz para outras formas musicais como uma vanguarda de um homem só. Ele ocasionalmente tocava trompete e violino e, nas décadas de 1970 e 1980, começou a explorar os estilos eletrônico e funk. Ele compôs para vários pequenos conjuntos de jazz e grupos de câmara. Sua composição sinfônica de 1972, Céus da américa , entrou no repertório clássico.
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Ver fotosUm olhar para aqueles que morreram este ano.Legenda Um olhar sobre os que morreram. Aguarde 1 segundo para continuar.O Sr. Coleman emprestou várias tradições internacionais, incluindo mariachi mexicano e música folclórica marroquina. Ele se apresentou em show com o Grateful Dead, lançou um álbum com o guitarrista Pat Metheny e foi apresentado em festivais europeus e japoneses dedicados ao seu
música.
Ele tardiamente encontrou aceitação nos Estados Unidos, evidenciado por vários shows no Lincoln Center de Nova York. Ele foi nomeado mestre de jazz pelo National Endowment for the Arts em 1984 e recebeu uma bolsa de gênio da MacArthur Foundation em 1994.
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Seu álbum de 2006, Gramática do Som , que se valeu de fontes tão diversas como Igor Stravinsky e o blues, recebeu o Prêmio Pulitzer de composição musical em 2007. No mesmo ano, Coleman foi homenageado com mais de 30 outros músicos no Kennedy Center como lendas vivas do jazz.
Ele também recebeu um Grammy pelo conjunto de sua obra - embora nenhuma de suas gravações tenha recebido um indivíduo
Vovó.
Como os melhores revolucionários, escreveu o crítico de jazz Whitney Balliett no New Yorker em 1965, ele era um intelectual disfarçado de primitivo. Ele foi um músico sem formação que, com um salto, passou diretamente do passado (Charlie Parker, country blues, rock-and-roll) para o desconhecido.
Randolph Denard Ornette Coleman nasceu em 9 de março de 1930, em Fort Worth. Ele era uma criança quando seu pai morreu, e sua mãe era costureira e empregada doméstica.
Ele começou a tocar saxofone na adolescência e, de acordo com o biógrafo John Litweiler, foi repreendido por improvisar durante a apresentação de sua banda da escola na marcha Lifemax de John Philip Sousa.
Coleman se juntou a grupos itinerantes de rhythm-and-blues em seu Texas natal e, mesmo na adolescência, buscou ser iconoclasta em sua música e aparência. Já em 1950, ele usava o cabelo até os ombros e tocava solos incomuns que provocavam confusão e desânimo nos ouvintes. Após uma apresentação na Louisiana, ele teria sido espancado por uma multidão, cujos membros jogaram seu saxofone de um penhasco.
No início dos anos 1950, o Sr. Coleman se estabeleceu em Los Angeles, onde trabalhou como operador de elevador e embarcou em um estudo independente de música. Seu saxofone alto era feito de plástico. Quando ele tentava participar de jam sessions, Coleman era frequentemente ridicularizado ou ignorado por músicos mais estabelecidos.
Mas ele perseverou, encontrando maneiras de produzir microtons em seu saxofone que desafiavam as noções padrão de tom e tom.
Talvez o principal impedimento para uma popularidade maior, escreveu Giddins no New Yorker, seja a própria qualidade que centra sua realização: o som cru, áspero, vocalizado e estranhamente agudo de seu saxofone alto. Considerado de maneira única e radiante pelos fãs, é como nenhum outro som dentro ou fora do jazz.
De fala mansa, mas silenciosamente persuasivo em sua abordagem musical, Coleman reuniu um grupo de músicos afins, incluindo o trompetista Don Cherry, o baixista Charlie Haden e os bateristas Ed Blackwell e Billy Higgins, que formaram o núcleo de suas primeiras bandas.
Embora Coleman tenha recebido a primeira bolsa do Guggenheim para composição de jazz em 1967, ele lutou durante anos para obter reconhecimento. Foi só na década de 1980 que ele se firmou, com festivais, documentários e homenagens musicais comemorando suas conquistas.
Seu casamento com o poeta Jayne Cortez terminou em divórcio. O filho deles, Denardo Coleman, se tornou o baterista de seu pai aos 10 anos e trabalhou com ele até o fim. O Sr. Coleman continuou a escrever e tocar música até pouco antes de sua morte.
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Ele pode ter sido o pai do free jazz, mas sua concepção da música era mais controlada do que os blips e guinchos sem canais que mais tarde se tornaram sinônimos do estilo. Havia algo conscientemente composto e proposital na música do Sr. Coleman, mesmo enquanto ela fluía em direções inesperadas.
Ele nunca escreveu para as massas, mas a estranha beleza de sua música continua a exercer uma influência obsessiva e cada vez mais profunda sobre o som de nosso tempo.
Quando ele está desafinado com o resto do mundo musical, Giddins escreveu sobre Coleman, ele está sempre em sintonia consigo mesmo.
