Junto com Billie Holiday e Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan faz parte do triunvirato de vocalistas de jazz clássico. Juntos, eles lançaram as bases do canto jazz contemporâneo e, como tal, ajudaram a moldar toda a música popular.
(Olha Você aqui) Holiday tem sido o assunto de várias biografias significativas, e há pelo menos um volume confiável dedicado a Fitzgerald, com outro muito aguardado em breve. Mas Vaughan não inspirou a mesma atenção, o que torna Rainha do Bebop , de Elaine M. Hayes, ainda mais necessário e emocionante. Este exame abrangente da vida e obra de Vaughan se beneficia do conhecimento técnico de música de Hayes e de sua pesquisa completa sobre o contexto histórico.
Em certo sentido, porém, Queen of Bebop é um título enganoso. Isso limita o escopo da música de Vaughan e a exploração real do livro de sua carreira. Embora Vaughan se tenha estabelecido como uma vocalista bebop inovadora, ela passou grande parte de sua vida tentando se libertar das limitações da categoria. Hayes documenta essa jornada com detalhes meticulosos. Depois de coletar um rico tesouro de material, ela organiza sua apresentação em torno do conceito de crossover, como uma forma de homenagear a flexibilidade de Vaughan como artista e a amplitude de sua carreira. Seguir essa jornada cruzada produz uma narrativa sólida que documenta as lutas, triunfos e sucesso sem precedentes de Vaughan como uma diva sinfônica, cantando jazz em locais anteriormente reservados para música clássica e ópera.
Como coroinha de Newark, Vaughan venceu a famosa Noite Amadora do Apollo e fez turnê com Dizzy Gillespie, Charlie Parker e Billy Eckstine. Depois de sua aparição na Prefeitura de Nova York em 1947, os críticos perceberam e a identificaram como portadora de algo novo. Aqui estava uma vocalista que, como seus compatriotas instrumentistas, transformou o jazz do domínio do swing para o reino de uma arte complexa e abstrata por meio do bebop. Para Hayes, isso marcou a primeira fase da jornada de Vaughan da obscuridade ao cruzamento.
Embora útil para organizar uma narrativa linear da carreira de Vaughan, uma das limitações infelizes dessa abordagem é uma desvalorização do chamado período obscuro. Só porque Vaughan era desconhecido para os fãs brancos de música popular, não significa que Vaughan definhou na obscuridade. Sua musicalidade foi amplamente reconhecida e apreciada nas comunidades que mais valorizavam esta forma de arte. Além disso, como a própria Hayes observa, quando Vaughan fez a transição, ela ampliou o paladar sônico do público americano, apresentando-lhes tudo o que era novo e moderno por meio de seu canto sofisticado e vanguardista.
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Vaughan, que começou como pianista, trouxe um conhecimento da estrutura harmônica subjacente da música para seu canto. Eu sou realmente uma cantora, ela disse uma vez. Eu gostaria de poder tocar piano como penso, mas não posso. Meus dedos. Minha mente. Eu canto mais rápido. Posso pensar o que estou pensando e cantar, mas não consigo tocar. Apesar de suas vastas possibilidades, o piano era muito limitante para a criatividade de pensamento rápido de Vaughan. Sua voz era o único instrumento que lhe permitia expressar toda a extensão, tom e profundidade do que ouvia em sua cabeça.
Além de suas discussões perspicazes do gênio técnico de Vaughan, Queen of Bebop também examina os tempos em que ela trabalhou. Nascido em 1924 em Newark, Vaughan era filho da Grande Migração e viveu sob a dolorosa realidade de Jim Crow America. Seus pais foram para o norte da Virgínia em busca de maiores oportunidades econômicas e liberdade política. No entanto, o Newark para o qual eles se mudaram tinha uma história estabelecida de segregação racial e opressão, que moldou as experiências de Vaughan como um jovem artista. Em turnê, ela e seus companheiros de banda encontraram indignidade após a outra.
Enquanto todos os músicos com quem ela viajou enfrentaram violência racial, Vaughan também enfrentou violência de gênero. Seus colegas bateram nela. Era um preço alto a pagar pela admissão no clube de meninos de instrumentistas de jazz. Mas essas condições tanto em Newark quanto nas bandas Earl Hines e Billy Eckstine forneceram a Vaughan oportunidades de aprimorar suas habilidades naturais e fazer experiências em uma comunidade que apreciava as invenções. O público negro e os fãs de jazz e DJs brancos foram fundamentais para garantir que um público mais amplo a ouvisse.
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Mas se as comunidades que produziram Vaughan alimentaram a inovação, o mundo em que ela buscou entrar fez tudo menos isso. Hayes faz um trabalho especialmente bom ao explicar a paisagem musical da América branca do pós-guerra. Na segunda fase de seu crossover, a Columbia Records contratou Vaughan e designou Mitch Miller para produzir seus discos. Hayes identifica corretamente Miller como comprometido com o comercialismo. Ele produziu sucessos para outros artistas com canções inovadoras e melodias étnicas estereotipadas, uma estratégia que limitou os artistas negros e brancos, mas satisfez o gosto do público da música pop. Mitch Miller não sabia. . . como não usar raça (ou etnia) como um dispositivo de novidade, Hayes escreve. Ele estava em sintonia com a América branca e dominante, mas lutou para apresentar as criações dos artistas negros de uma forma que não fosse estereotipada ou redutora.
Vaughan resistiu tanto ao comercialismo flagrante de Miller quanto ao anti-comercialismo dos puristas do jazz, abrindo seu próprio caminho. Ela levou sua música a lugares inimaginados por vocalistas de jazz anteriores. Ao final de sua carreira, especialmente com o sucesso de sua interpretação de Send in the Clowns, de Stephen Sondheim, Vaughan emergiu como uma artista singular que fundiu sua fundação de jazz, suas aspirações de música popular e seu desejo de respeito oferecido às divas da grande ópera .
Embora Hayes se concentre corretamente na música de Vaughan, ela não ignora o gosto de longa data de Vaughan por cocaína e maconha, ou seu infeliz padrão de tornar seus maridos frequentemente abusivos seus gerentes, apesar de sua falta de perspicácia e experiência para os negócios. Mas embora o uso de drogas e relacionamentos ruins sejam uma realidade, eles não dominam a apresentação de Hayes da vida de Vaughan; eles não diminuem a centralidade e a enormidade de seu talento e contribuição musical. É assim que deve ser. Queen of Bebop modela uma maneira de entender a vida e a arte dos músicos de jazz - que estabelece sua importância e centralidade na criação do melhor que a América ofereceu ao mundo.
Farah Jasmine Griffin é professor de inglês, literatura comparada e estudos afro-americanos na Columbia University em Nova York.
Rainha de Bebop, a vida musical de Sarah VaughanPor Elaine M. Hayes
Olha Você aqui. 419 pp. $ 27,99
