Uma das primeiras obras de Warhol, de 1956, foi dedicada a Christine Jorgensen, uma mulher trans que ganhou as manchetes na década de 1950 após passar por uma cirurgia de redesignação sexual. (Sammlung Froehlich / Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Artists Rights Society (ARS) New York)
Por Philip Kennicott Crítico de arte e arquitetura 1 ° de fevereiro de 2019 Por Philip Kennicott Crítico de arte e arquitetura 1 ° de fevereiro de 2019
NOVA YORK - Vivemos com Andy Warhol quase da mesma forma que vivemos com o material visual que ele reproduziu e explorou - a vasta cultura americana de produtos de consumo, estrelas de cinema e notícias. Ele procurou reivindicar essa iconografia como arte, para aproveitar seu poder sedutor e imitar a forma como ela circula, e no final muito de sua própria arte tornou-se indistinguível da cultura comercial que ele admirava e parodiava. É onipresente e quase sempre invisível, a menos que você tente identificá-lo e entendê-lo. E então parece estranho, fantasmagórico e um pouco estranho, de uma forma que faz sua pretensão de diversão benigna parecer não inteiramente de boa fé.
Entre em qualquer museu decente de arte moderna ou contemporânea e lá está Warhol, provavelmente uma de suas telas de Marilyn Monroe ou Chairman Mao ou Jackie O, imagens coloridas que são familiares e emocionalmente mudas. Em um museu, eles funcionam um pouco como placas comerciais históricas penduradas do lado de fora das lojas - um peixe para indicar um peixeiro, tesouras para um alfaiate, óculos para um oculista. As pinturas de Warhol muitas vezes desaparecem em sua função semântica: denotar o negócio da arte moderna. Ou funcionam como estações obrigatórias na visita guiada por um docente: Aqui está um Warhol e é por isso que Warhol é importante. O envolvimento é reflexivo e em muitos aspectos superficial, e se você acha, talvez, que seu trabalho cobre nossos museus como papel de parede, o guia pode dizer: Exatamente, e Andy também fez papel de parede.
Os Marilyn's, Mao's e Jackie O's estão agora todos à vista no Whitney Museum of American Art’s enorme retrospectiva de Warhol. Assim é o papel de parede, em uma pequena galeria fora da mostra principal, onde as superfícies são cobertas com suas vacas e flores de cores vivas. A exposição ocupa todo o quinto andar, junto com uma galeria de monitores de vídeo no terceiro andar e outra galeria no térreo dedicada aos retratos. E além do Whitney, há outra exposição Warhol, no Academia de Arte de Nova York , uma instalação de mais de 150 de seus desenhos.
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The Whitney show, a primeira grande retrospectiva de Warhol nos Estados Unidos desde 1989 Museu de Arte Moderna exposição, está organizada cronológica e tematicamente em 19 capítulos. Inclui os primeiros trabalhos de Warhol como estudante de arte em Pittsburgh e artista comercial em Nova York: suas pinturas e desenhos baseados em jornais; suas imagens de desastre; suas imagens pop clássicas do início dos anos 1960 até sua aposentadoria da pintura em 1965 (foi mais um ponto de inflexão do que uma despedida); seu filme, vídeo e empreendimentos de mídia; e suas grandes obras finais, incluindo Camouflage Last Supper, de 1986, em que uma reprodução da obra-prima de Da Vinci é coberta, mas não totalmente obscurecida, pelo aceno tímido de Warhol à abstração, uma sobreposição de camuflagem de estilo militar.
A história do anúncio continua abaixo do anúncioOs vários capítulos de Andy Warhol: de A a B e de volta novamente oferecem uma série de Warhols possíveis, e está claro que a curadora Donna De Salvo queria enfatizar a multiplicidade de seus esforços e suas interconexões. Este é um esforço para humanizar Warhol, para resgatá-lo da fria invisibilidade de sua reputação de Pop Art, para fazer um homem que uma vez disse: A razão de eu estar pintando assim é que quero ser uma máquina um pouco menos mecanicista. O show do MoMA de 1989 concentrou-se no período clássico da Pop Art de Warhol e, desde então, ele foi reivindicado como um artista gay, como um artista de mídia, como um artista conceitual, como um filósofo do pós-modernismo e um oráculo da era digital, e como um pintor de nuances e sentimentos, não apenas uma máquina para fazer telas de seda.
A retrospectiva em tamanho gigante serve bem a alguns artistas, outros não. A forma particular de abundância de Warhol se aprofunda quanto mais você a vê, mesmo que a Pop Art pela qual ele é mais conhecido pareça resolutamente silenciosa quando vista isoladamente. Seus desenhos não apenas prefiguram seu interesse por imagens comerciais, mas também buscam uma destilação visual de linhas e formas que faz com que sua escolha de reprodução em silk screen pareça uma conseqüência natural de seu trabalho desenhado à mão.
As primeiras pinturas pop de várias notas de dólar, selos verdes S&H e garrafas de Coca-Cola anunciam um fascínio de toda a carreira pelas ideias de moeda, circulação e câmbio. As pinturas de Rorschach de grande formato de Warhol da década de 1980 relembram a técnica de linhas borradas que ele usava quando jovem artista para criar desenhos delicados e ligeiramente hesitantes. Até mesmo a delicadeza e o humor gentil de seus primeiros desenhos parecem se conectar com sua posterior autoinvenção como uma pessoa pública. Eles são reservados e peculiares ao mesmo tempo, emergindo do substrato de timidez sobre o qual o Enigmático Andy, o Superstar, foi construído.
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Algumas decisões curatoriais no Whitney tendem a reforçar o pensamento reflexivo sobre Warhol. Uma série de imagens sexualmente explícitas - um portfólio de 1979 intitulado Sex Parts - é discretamente colocada na lateral de um grande painel de parede e facilmente esquecida. Isso parece uma concessão à mesma homofobia que fez Warhol divulgar essas imagens em particular. E o museu dedicou uma galeria no andar térreo, que é acessível ao público sem pagar a entrada de US $ 25, para os retratos de Warhol. Eles são pendurados no estilo salão, do chão ao teto, e o número deles, bem como a variedade selvagemente eclética de seus temas (incluindo o xá do Irã e RC Gorman, pintor de cenas sentimentais de nativos americanos), ressalta o papel pragmático que desempenharam no modelo de negócios de Warhol. Ele os chamava de arte comercial, e o dinheiro que ganhava com eles ajudava a subsidiar alguns de seus empreendimentos menos lucrativos. Mas dado o quão ansiosamente esta exposição quer mudar a conversa sobre Warhol, parece estranho limitar o público não pagante a seu trabalho mais transacional e talvez cínico.
A história do anúncio continua abaixo do anúncioComo grandes convenções políticas, grandes retrospectivas geralmente geram energias que muitas vezes são insustentáveis. Depois de toda a mistura alegre e promessas de compromisso com a reforma nobre, os delegados vão para casa e nada muda muito. O que vai durar depois que esta ambiciosa e esclarecedora exposição terminar? O trabalho tardio de Warhol, incluindo a Camuflagem Última Ceia, as grandes imagens de Rorschach e a gigante horizontal Sixty Three White Mona Lisas revigoram nossa compreensão de seus últimos anos e um conjunto de retratos em serigrafia de drag queens, junto com as imagens de Sex Parts , ajude a dissipar o mito do virginal Andy, um espreitador assexuado nas margens da gay Nova York.
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Mas são os desenhos que realmente avançam no projeto de humanização do artista, especialmente aqueles em exibição na Academia de Arte de Nova York. Aqui, vemos que trabalhar diretamente no papel permaneceu uma válvula de escape essencial para as energias de Warhol ao longo de sua carreira, não, como o site do Whitney sugere, um hábito que definiu Warhol antes de Warhol. Seus desenhos são surpreendentemente confiantes, com apenas alguns sinais de revisão ou repensar aparentes nas primeiras incursões dos alunos.
Warhol trabalhou o poder do desejo sexual precoce fazendo retratos ousados, mas elegantes de homens (e partes do corpo dos homens) em um estilo que lembra o desenho de Jean Cocteau, e sua intimidade é diferente de quase tudo no cânone de Warhol. Um subconjunto fascinante deste trabalho é visto nas exposições Whitney e da Academia: partes do corpo, especialmente pés, misturadas com outros grampos Warhol essenciais - notas de dólar, latas de sopa Campbell - e outros objetos, incluindo um biplano de brinquedo. Outros desenhos sugerem interesse por gravuras japonesas, uma mão rápida e segura para esboçar paisagens, bem como meditações privadas sobre suas imagens públicas, incluindo o interesse tardio na arma como ícone.
A história do anúncio continua abaixo do anúncioO painel de texto de abertura no Whitney inclui uma citação de Warhol como epígrafe: Todo mundo tem sua própria América. . . . E você vive na América dos seus sonhos, que criou sob medida a partir da arte, do schmaltz e das emoções tanto quanto vive na sua verdadeira. Vale a pena refletir seriamente sobre isso ao visitar esses programas, em parte porque isso muda a ênfase de pensar sobre a América de Warhol para pensar sobre nossa própria relação com esses mesmos ícones. Mas também inclui uma palavra não muito considerada na avaliação do legado de Warhol: emoções. Sim, sabemos sobre arte e schmaltz e os jogos que ele jogava elucidando a diferença entre eles. Mas é nos desenhos da New York Academy que se sente mais palpavelmente a emoção, e se Warhol nos diz que as emoções importam - e importam para sua arte - quem somos nós para ignorá-las?
Andy Warhol: de A para B e vice-versa Até 31 de março no Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St., N.Y. whitney.org .
Andy Warhol: à mão Até 10 de março na Academia de Arte de Nova York, 111 Franklin St., Nova York. nyaa.edu .
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