Kay Starr, uma cantora ferozmente expressiva cuja habilidade de infundir swing, pop e country com sua própria marca indelével do blues a tornou uma das artistas mais admiradas de sua geração, morreu no dia 3 de novembro em sua casa em Los Angeles. Ela tinha 94 anos.
Annie Boddington, que detinha a procuração da Sra. Starr, confirmou a morte, mas não revelou a causa.
Em uma carreira de sete décadas, a Sra. Starr foi principalmente uma artista solo, mas ela também acompanhou jazzmen de swing pesado como Coleman Hawkins, Nat King Cole e Count Basie, o country folk e o artista ocidental Tennessee Ernie Ford e o clean-cut o cantor pop Pat Boone, entre muitos outros.
Ela fez sua estreia profissional aos 7, cantando o que chamou de música caipira para uma estação de rádio de Dallas. Ela era um tordo adolescente em 1939 para Glenn Miller, que liderava a big band mais popular do país, e substituiu Lena Horne pela orquestra de swing de Charlie Barnet no início dos anos 1940.
Com a Capitol Records e a RCA, ela se tornou a rainha da jukebox no final dos anos 1940 e 1950 com sucessos como Roda da fortuna, Retiro de Bonaparte, lado a lado e A valsa do rock and roll. Eles venderam cumulativamente milhões de discos.
Esses sucessos, para melhor ou talvez principalmente para pior, definiram-na na mente do público como uma imperatriz do pop schlock, uma impressão que ofuscou uma vasta quantidade de trabalhos de alta qualidade e menos comerciais que foram amplamente reverenciados entre os críticos e seus colegas musicais.
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Embora Starr nunca tenha sido uma cantora de jazz, estritamente falando, o crítico Will Friedwald a classificou como uma das melhores de todos os tempos e escreveu que ela possuía um forte domínio da forma e tinha um impulso rítmico que ele chamou de espiritual.
Ela também foi amplamente considerada uma mestre do blues, recebendo elogios por sua autenticidade de Billie Holiday, Dinah Washington, Lester Young e do cantor Basie Jimmy Rushing, que certa vez exclamou que ela tinha muita alma! Junto com Peggy Lee, ela foi uma das poucas vocalistas não negras que enfatizava um repertório de blues na época. (A Sra. Starr era três quartos índia americana e um quarto irlandesa.)
Seus talentos convergiram em uma gravação de 1962 de Eu realmente não quero saber, uma mistura eletrizante de gospel, country e blues que o crítico de jazz Gary Giddins chamou de um tour de force de cinco minutos.
Seus devotos mais fervorosos incluíam Patsy Cline e Elvis Presley, os quais cresceram ouvindo-a. Mas a ascensão de Presley, em particular, também anunciou uma mudança nos gostos musicais que diminuiu o apelo mainstream de Starr.
Ela perseverou em salas de concerto e em pequenas gravadoras independentes e viveu para ver suas animadas gravações de jazz de Eu tenho meu amor para me manter aquecido e É um bom dia remixado ou revivido para comerciais de TV. Ela fez um dueto com Tony Bennett em Azul e Sentimental, uma seleção de seu lançamento de 2001, Playin ’With My Friends.
Quando a música se tornou rock, depois hard rock, depois acid rock e todos os tipos de coisas que eu não entendia, pensei que talvez Deus estivesse me dizendo que era hora de me perder, disse ela ao New York Times. Mas as pessoas continuaram me ligando e me pedindo para fazer coisas, e eu percebi que não estava feliz por não cantar.
Apreciação de bluesKatherine Laverne Starks nasceu em Dougherty, Oklahoma, em 21 de julho de 1922. Sua educação em Dallas e Memphis ajudou a incutir nela uma profunda apreciação pelo blues. Apesar de sua abstinência de álcool, ela disse que ouviu mais de uma vez que parecia ter sido criada com gim de banheira.
A Sra. Starr, como logo se tornou conhecida, ganhou uma série de concursos de talentos amadores e cantou com uma banda de swing ocidental no rádio no Tennessee. Sua descoberta veio em 1937, aos 15 anos, quando o popular violinista de jazz Joe Venuti, então liderando uma banda de dança, veio a Memphis e a contratou para seus encontros no principal hotel da cidade.
Ele foi o mentor do jovem cantor, às vezes de maneiras pouco ortodoxas.
Se você não conhecia as palavras, é melhor inventá-las, porque ele bateu em você na culatra com aquele arco de violino, e quando eu digo que aquela coisa dói, não estou brincando, disse Starr ao Los Angeles Times. Eu fiz mais letras do que Johnny Mercer.
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Se eu tenho algum estilo, qualquer presença no palco, ela continuou, tenho certeza que Joe Venuti é o responsável por isso. Joe uma vez me disse que se você cometer um erro, fazê-lo tão alto, todo mundo soa errado, e eu realmente acredito que é por isso que canto tão alto.
Seu trabalho com Venuti nos próximos três verões - ela frequentou o ensino médio o resto do ano - resultou em um breve noivado no rádio em 1939 com Bob Crosby and His Bobcats, uma banda crescente com influências de Dixieland, e depois com a Big Band Miller para substituir sua cantora doente, Marion Hutton.
A Sra. Starr, que disse que nunca aprendeu a ler música, ficou perplexa quando Miller fez uma pergunta técnica sobre o quão alto ou baixo ela sabia cantar.
Eles me perguntavam: 'Isso está dentro do seu alcance?' E eu não sabia, então apenas disse que sim porque eu só conhecia dois tipos de fogões - um deles você cozinhava e o outro era onde as vacas estavam, ela depois disse Friedwald.
Depois de terminar o ensino médio, ela viajou pela Califórnia com Venuti. Ela fez um punhado de gravações de primeira com Barnet, destacando-se em particular por sua interpretação de Compartilhe Croppin ’Blues.
Ela deixou a banda em 1945, esgotada após uma turnê exaustiva. Ela também foi tratada por nós que se formaram em suas cordas vocais e emergiram com um som mais áspero que foi usado excepcionalmente bem em gravações de jazz com pequenas gravadoras.
Destaques incluídos Tempo tempestuoso com Cole no piano, Madressilva rosa com o saxofonista Willie Smith, Há uma calmaria na minha vida com Venuti e o guitarrista Les Paul, Se eu pudesse estar com você uma hora esta noite apoiado pelos saxofonistas Benny Carter e Coleman Hawkins, e Doce Lorena com o subestimado mas propulsivo pianista Calvin Jackson.
Em 1947, a Capitol Records assinou um contrato com a Sra. Starr. Nos sete anos seguintes, ela mudou do jazz para a música pop mais comercial, uma decisão motivada em parte por sua necessidade de apoiar a filha como mãe solteira.
Os sobreviventes incluem uma filha de seu primeiro casamento, Katherine Yardley de Sunland, Califórnia, e um neto. Seus seis casamentos terminaram em divórcio.
No Capitol, ela cortou alguns lados incríveis, como o lamento blues Eu sou a Galinha Solitária da Cidade e a balada Tão cansado, mas, principalmente, ela foi relegada para o segundo nível, pegando os números que os maiores nomes da gravadora - Peggy Lee e Jo Stafford - rejeitaram.
Quando Starr subiu nas paradas, foi com canções inovadoras, como a homenagem à polca Hoop Dee Doo e a balada Wheel of Fortune, que se tornou sua assinatura. Seus outros grandes sucessos na Capitol incluíram Allez-Vous-En, escrita por Cole Porter, e Se você me ama, baseado em uma canção francesa popularizada por Edith Piaf.
Dizendo que se sentia como uma jogadora de serviços públicos subestimada, ela deixou a gravadora depois que seu contrato expirou em 1954. Ela logo se juntou à RCA e inicialmente ficou horrorizada ao receber o que parecia ser um cachorro de verdade, The Rock and Roll Waltz. Ela brincou com Giddins que precisava de um Dramamine antes de entrar no estúdio de gravação. Mas a música disparou nas paradas pop, vendendo um milhão de cópias.
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De volta ao Capitol em 1959, ela lançou uma série de álbuns convincentes de jazz, country, espiritual e blues, culminando em Just Plain Country, que continha I Really Don´t Want to Know e o que Friedwald chamou de uma versão latente do hit country Cantando o Blues.
Ela gravou um álbum com Basie em 1968 e ganhou a vida lucrativa nas quatro décadas seguintes se apresentando em hotéis de Las Vegas e em salões da Flórida à Califórnia. Ela passou anos em turnê com uma revista nostálgica chamada 4 Girls 4, com Rosemary Clooney, Martha Raye e Helen O’Connell.
Estávamos exagerando um pouco na palavra 'garotas', disse ela ao Toronto Star em 1987.
Ela acrescentou que nunca se cansou - mesmo décadas depois - quando o envelhecimento do público solicitou que ela exibisse a Roda da Fortuna.
A ‘Roda da Fortuna’ tem sido boa para mim. Como poderia me cansar disso? Isso é como dizer que você se cansa da pessoa que lhe dá tudo no mundo, disse ela. E quando vejo as expressões nos rostos do público, como eles se lembram, talvez, da primeira vez que ouviram a música. . . o prazer puro e não adulterado que lhes dá faz tudo valer a pena.
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