Os museus querem 2 show u memez agora. Eles devem ter cuidado.

A. Eva e Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016. (Eva e Franco Mattes / Postmasters Gallery e Team Gallery)

SÃO FRANCISCO - No final da exposição Snap + Share, os visitantes do Museu de Arte Moderna de São Francisco verão um gatinho olhando para eles de um buraco retangular cortado de maneira tosco no teto. This is Ceiling Cat, uma obra de 2016 de Eva e Franco Mattes, que usaram um gatinho taxidermia para recriar um dos memes mais populares e persistentes da Internet: uma imagem do felino acompanhada por variações da frase Ceiling Cat is watch you . . .

O meme original do Ceiling Cat surgiu há mais de uma década, com o slogan Ceiling Cat está assistindo você se masturbar. Mas ele se transformou e evoluiu com a rapidez usual da cultura online. Entre as muitas iterações está Ceiling Cat as God the Creator, falando na tradução do meme lolcat da Bíblia: No início, no has lyte. Um gato do teto, diga-me, posso haz Lite? Um lite wuz.

Como vários outros trabalhos na mostra, a escultura de Mattes torna físico algo que existe principalmente no ambiente sem peso e sem substâncias da Internet. Ele captura tanto a ludicidade da cultura que evoluiu em torno de tirar e compartilhar imagens, especialmente memes, quanto sugere o lado mais sombrio da vigilância e do controle latente em nossas redes sociais. É também a principal imagem de marketing da exposição, e talvez um dos poucos erros na curadoria desta exposição estimulante e esclarecedora.

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Para o caso de você perder o Gato do Teto (que é pequeno e acima do nível dos olhos), o museu tem uma pequena nota na parede: Veja a obra de arte no meio do teto nesta galeria. Fotografias não são apenas permitidas, mas incentivadas. Com isso, um pouco de distância crítica se desfaz, e o que estava sendo examinado desapaixonadamente - como nossos hábitos de transmissão de imagens evoluíram ao longo do último século e meio - de repente parece mais um jogo que somos obrigados a jogar. O convite para participar, para tirar uma foto do Gato do Teto, não parece certo, especialmente dada a tensão fundamental que se desenvolve neste show - entre participação e conformidade.

Mas é claro que nenhum museu do planeta hoje faria uma mostra sobre memes, instantâneos e mídia social sem esperar que todo mundo o colocasse no Instagram, fizesse hashtag no Twitter e inundasse o Facebook com selfies. Resistir é inútil.

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Idealizada por Clément Chéroux, o curador sênior de fotografia do museu, a exposição conecta nosso momento atual com uma história mais longa e complicada de divulgação de imagens. Começa no século 19, com o surgimento do cartão postal, que no início do século 20 na França estava sobrecarregando o sistema postal daquele país com cerca de 173.000 cartões sendo enviados todos os dias. Na década de 1930, as fotos também viajavam regularmente através de telegramas, e as agências de notícias traziam notícias do mundo, incluindo guerras, desastres e outras misérias, para nossas salas de estar, diminuindo a distância e o tempo de tal forma que o mundo parecia quase instantaneamente disponível e dolorosamente íntimo .

Em meados do século 20, os cartões postais coloridos e a fotografia popular tornaram os ícones do turismo mundial tão familiares quanto as lanchonetes, circulando por incontáveis ​​milhões de imagens coloridas. E incluídos na exposição estão o flip phone Motorola, laptop Toshiba e câmera digital Casio que o inventor francês Philippe Kahn usou para enviar o que é provavelmente a primeira imagem de câmera de celular para uma grande rede de pessoas. A granulada fotografia digital de 1997 de sua filha, nascida poucos minutos antes, foi recebida por um público de cerca de 2.000 pessoas.

O que realmente mudou com essa revolução na criação de imagens, que tornou as imagens instantaneamente disponíveis para milhares, ou agora bilhões, de pessoas? De muitas maneiras, nada. As pessoas enviam imagens pelo correio desde quase a invenção da fotografia, e distribuímos imagens nossas muito antes da invenção da palavra selfie. Peter J. Cohen, um colecionador que se concentrou em instantâneos e fotografias vernáculas, reuniu uma ampla e variada gama de imagens nas quais as pessoas escreveram a palavra me ao lado de uma fotografia, presumivelmente de si mesmas. Essas abrangem décadas de fotografia em preto e branco e sugerem uma consistência persistente e nada surpreendente em nossa relação com as fotografias: Nós as usamos para afirmar nossa existência, para marcar nosso lugar no mundo. Isso não mudou, mesmo com a evolução dos meios de fazer e distribuir imagens.

Os artistas também não descobriram ideias sobre redes sociais e imagens em circulação com a invenção do Facebook e outros espaços sociais online. O movimento de arte postal, no qual os artistas usam o correio para criar padrões de circulação independentes de museus ou galerias tradicionais e convidam à criação colaborativa de imagens, é muito anterior ao nosso mundo de encaixar e compartilhar do século 21. Alguns dos trabalhos visualmente mais evocativos da mostra são do artista alemão Thomas Bachler, que criou pequenas câmeras pinhole em caixas de papelão e as enviou pelo correio alemão, onde registraram passivamente fotografias espectrais e acidentais. Eles são assustadoramente bonitos e parecem um pouco com imagens médicas, borrados e cinza com tubos estranhos, linhas e fios de material aparentemente orgânico passando por eles.

Mas, de outras maneiras, a mudança é enorme e tão abrangente que é quase impossível fazer um balanço dela. O conhecido trabalho de instalação de Erik Kessels, 24HRS in Photos, é feito de montes gigantes de fotografias impressas selecionadas em 24 horas de uploads nas redes sociais. Ele foi refeito para esta exposição, criando uma sala cheia de fotos amontoadas no chão e subindo pelas paredes. Parece sinistro à primeira vista, um aviso do grande dilúvio de imagens possibilitado pelas câmeras dos celulares e pela fotografia digital. Mas também é curiosamente charmoso, com as fotografias que se recusam a ser lixo, e atrai os olhos para gente bonita, praias ensolaradas, crianças brincando e todo o resto da vida cotidiana que nunca deixamos de documentar e expor.

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Não é apenas o volume das imagens que mudou. As pessoas, principalmente os jovens, agora falam ou conversam por meio de imagens, enviando imagens em vez de palavras, para expressar seus pensamentos e sentimentos. E há uma consciência crescente de como nossa dependência de smartphones está se tornando patológica, um vício que dispersa a atenção e acaba com nosso relacionamento com coisas reais e pessoas reais. A artista Kate Hollenbach aponta para as mudanças psicológicas que isso acarreta em um trabalho em vídeo chamado phonelovesyoutoo, no qual ela manipulou seu telefone para gravar vídeos dela sempre que se envolvesse com ele, para verificar e-mails ou navegar na web ou usar sua função GPS. O resultado é uma matriz de pequenos vídeos de um mesmo rosto, em espaços claros e escuros, de manhã, à tarde e à noite, na cama, na rua, andando em edifícios, uma forma autoimposta de vigilância reversa. A valência emocional dessa grade de imagens do tamanho de uma sala é de nervosismo, inquietação, inquietação, energia não direcionada e dissonância.

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Depois, há Ceiling Cat, que vem logo após o vídeo evocativo de Hollenbach. É um bom começo de conversa para o mundo dos museus, uma maneira de pensar sobre os perigos e oportunidades em exposições como esta. Os museus de arte são exatamente o tipo de instituição que pode lidar com um assunto amplo e complicado como o Snap + Share, que envolve não apenas mudanças na cultura visual, mas também mudanças sociais, tecnológicas e psicológicas.

Mas sempre existe o perigo de ficarmos muito emaranhados com o assunto. As instituições culturais anseiam pelo tipo de energia que parece estar fluindo pelos circuitos da Internet. Eles anseiam pelo público que cresceu com esses sistemas de criação e distribuição de imagens e anseiam pelo dinheiro de pessoas cujas fortunas foram feitas na corrida do ouro digital. Há também uma tendência, não incomum entre os profissionais de museus, de olhar o mundo explorado em programas como o Snap + Share como o futuro, e como todos querem pertencer ao futuro, há uma espécie de endosso tácito da tecnologia, que traz com isso, um endosso implícito da indústria por trás dele.

É uma coisa pequena, mas esta exposição teria sido mais forte se não tivesse convidado o público a participar. O Gato do Teto, como obra de arte, é um convite a pensar. Mas, ao convidar os visitantes a desmaterializar a escultura do Gato do Teto de volta a um meme da Internet, o curador parece dizer: Isso tudo foi uma boa diversão. O distanciamento crítico do show é substituído por arrulhos, risos e vibrações de bem-estar. A exposição equilibra de forma inteligente a observação histórica de um fenômeno antigo - nossa necessidade de tornar nossa presença no mundo conhecida por outros - com observações lúcidas sobre como a tecnologia está mudando nossa vida interior e nossas relações sociais. Mas com Ceiling Cat e outros convites para tirar fotos e enviá-las ao mundo, o show sucumbe no final ao pensamento mágico com o qual mantemos nossas ansiedades sobre a cultura da mídia social à distância: é inofensivo se apenas tratá-lo como um pouco ironicamente.

Um show verdadeiramente radical não nos deixaria escapar do gancho tão facilmente. Teria exigido que as pessoas deixassem para trás o impulso de encaixar e compartilhar por tempo suficiente para explorar o que o recurso encaixar e compartilhar está fazendo conosco.

Snap + Share Até 4 de agosto no Museu de Arte Moderna de São Francisco. sfmoma.org .

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