São mulheres, são negras e não fazem arte sobre isso

Uma nova exposição no Museu Nacional da Mulher nas Artes confronta duas falsas suposições embutidas no mundo da arte. Primeiro, que as mulheres deveriam fazer arte feminina e, segundo, que os artistas afro-americanos deveriam fazer arte figurativa e ativista, obras que confrontassem questões de raça, desigualdade, injustiça e a longa história de violência contra os negros.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960 to Today enfoca artistas negras que trabalham além ou fora desses ditames. A obra inclui abstrações de fogo feitas com oceanos coagulados de tinta e delicadas estampas em tons de rosa e rendilhado refinado. Algumas pinturas explodem das paredes e dominam o espaço; outras mantêm o silêncio íntimo e aproximam cada vez mais o espectador de sua reticência enigmática. Mas todos desafiam as expectativas estéticas enraizadas nas categorias arbitrárias de raça e gênero.

Como um ensaio introdutório ao catálogo da mostra explica, esses artistas estão trabalhando em uma periferia de uma periferia de uma periferia. Onde estão essas múltiplas periferias? Em nenhuma ordem particular de precedência, considere primeiro gênero e abstração. Em meados do século passado, o campo foi dominado por homens que reaproveitaram as ideias do século 19 sobre o artista heróico e os poderes demoníacos da expressão emocional. Mulheres que trabalharam em estilos não objetivos foram esquecidas, marginalizadas ou mal interpretadas. Quando conseguiam ter sucesso em seus próprios termos, muitas vezes era porque a linguagem visual que empregavam refletia expectativas sobre seus corpos e comportamento, gestos pequenos e delicados, cores suaves ou formas repetitivas que acalmavam os olhos. Houve exceções, é claro, mas as exceções reforçaram as expectativas tradicionais da maneira usual com que o poder se defende: Você nos acusa de excluí-lo ou marginalizá-lo? Bem, este exemplo solitário em contrário mina sua acusação.

Em seguida, considere a raça. O período de tempo englobado por esta exposição acompanha a história da arte desde o ponto alto do movimento dos direitos civis na década de 1960 até o movimento Black Lives Matter de nosso próprio tempo. Muitas das mulheres incluídas aqui resistiram à tentação de fazer arte explicitamente política ou diretamente sobre a experiência negra. A arte abstrata era frequentemente vista em termos raciais, como uma forma de elite praticada por artistas brancos. Esperava-se que os artistas negros meditassem sobre as ideias negras, usando uma linguagem visual derivada de ideias sobre as raízes africanas do afro-americano ou da experiência da diáspora.

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Mildred Thompson, uma das melhores artistas desta exposição, não teria nada disso. Copiar símbolos que não se entende, fazer uso deliberado de uma forma que não se sabe analisar ou apreciar foi para mim o cúmulo da prostituição, disse. E ela não estava disposta a ceder abstração para artistas de elite: Foi talvez porque eu vivi e estudei com 'brancos' que aprendi a apreciar minha negritude.

É uma declaração poderosa de independência, que é constantemente desafiada pelos hábitos arraigados de críticos, curadores, acadêmicos, colecionadores e público.

Portanto, a arte incluída parece assertiva, demonstrativa, direta e sem remorso. Mas, além dessa sensibilidade compartilhada, há vínculos entre essas obras? Existem afinidades de estilo ou detalhes que ligam uma única obra às 40 outras em exibição? Existe uma lição que transcende o artista individual?

Este é um território perigoso. Ao começar a procurar por esses links, você corre o risco de limitar o que os artistas buscaram preservar: a individualidade e o conteúdo expressivo sui generis de cada obra.

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E, no entanto, parece haver traços de semelhança ou parentesco, especialmente em como várias obras expressam um senso de clivagem ou divisão. Talvez isso capture como o poder atua sobre nós, a maneira como cria divisão não apenas entre grupos sociais, mas em nosso senso de identidade. O poder nos diz o que devemos ser, independentemente de quem realmente somos. Ela nos separa de nossa dignidade inata e estampa seu próprio preço em nossas idéias, nossos dons, nossas contribuições.

Em uma grande e dinâmica composição de Shinique Smith, Whirlwind Dancer, o decote é físico. A pintura parece, a princípio, representar um objeto único e unificado, algum tipo de vórtice ou redemoinho que sugou o material e os detritos de meio século de pintura para uma expressão ondulante e ondulante de energia pura. Mas, na verdade, trata-se de duas telas unidas e, conforme você estuda essa costura, percebe que as linhas ou formas cruzam a divisão apenas em alguns lugares. Esta metáfora de uma energia que é íntegra, apesar de estar espalhada por uma lacuna ou fissura, é a essência do poder da obra.

Uma escultura de Barbara Chase-Riboud, cujas estelas de bronze e tecido estão em exibição na Galeria Michael Rosenfeld em Nova York neste outono, é dividida horizontalmente, com uma saia de tecido que parece suportar o enorme peso de um torso de bronze. A estátua encena um diálogo que muitas pessoas sentem internamente, entre um medo primitivo de que tudo possa desabar e uma sensação estimulante de que estamos, de alguma forma, conseguindo mantê-lo suspenso no éter do nada.

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Jennie C. Jones é representada por um trabalho que usa painéis acústicos para criar abstrações clássicas e minimalistas. Mas os painéis acústicos trazem consigo insinuações de silêncio, e uma dicotomia não muito diferente daquela sugerida pela obra de Chase-Riboud: Trata-se do silêncio, que é a tela sobre a qual a música é escrita e uma força espiritual libertadora, ou o ato de sendo silenciado, qual é a primeira e fundamental estratégia de poder?

Essas dicotomias se espalham por toda a exposição. Em uma obra particularmente impressionante, uma pintura sem título de 1972-73 de Howardena Pindell, a tela é coberta com pequenos pontos do mesmo tamanho que os pequenos pedaços redondos de papel que sobraram ao usar uma prensa perfuradora de papel. Em outro trabalho, ela usa os retalhos de papel circulares reais misturados com tinta para criar uma obra autobiográfica de formato estranho referenciando o tempo que ela passou no Japão. Mas na pintura acrílica sem título, ela pintou meticulosamente seu traço bidimensional, em uma tela que inclui um padrão ilusionista de vincos, como se tudo tivesse sido enfiado em um armário ou deixado no chão, sem cuidado, até as imperfeições tomou forma. É um trabalho complexo que inicia a mente em uma cadeia de perguntas - quem fez esses pontos, quem perfurou o papel e com que propósito, e o que foi escrito nas páginas do papel perfurado? - que, em última análise, apontam para a ideia de texto ou documento que está sendo negado a nós.

Esta é a questão com a qual o poder deve ser confrontado com rigor: o que está sendo negado de nós? Esta exposição é uma resposta prática e pragmática à pergunta. Mas é claro que a questão levanta outra: o que ocultamos de nós mesmos?

Campos magnéticos: Expanding American Abstraction, 1960 to Today está em exibição no Museu Nacional da Mulher nas Artes até 21 de janeiro. Para obter mais informações, visite www.nmwa.org.